Premios de La Bohemia 2011 – Semestre A: Televisión.

Mejor Serie Dramática: ‘The Borgias’ / ‘Camelot’.
Mejor Mini-Serie Dramática: ‘Spartacus: Gods of Arena’.
Mejor Serie Comedia: ‘La que se avecina’.
Mejor Telenovela: ‘La Pola’.
Mejor Programa de TV Real: ‘The Voice’.

Mejor Actor: Jeremy Irons como El Papa, en ‘The Borgias’.
Mejor Actriz: Eva Green como Morgana, en ‘The Tudors’ / Morena Bacarin como Diana en ‘V’.
Mejor Actor en un rol de soporte: Jason Momoa en ‘Game of Thrones’.
Mejor Actriz en un rol de soporte:Sinéad Cusack como Sybil, en ‘Camelot’.
Personaje Real: Christina Aguilera en ‘The Voice’.

La Pola: Amar la hizo libre!

La Pola, amar la hizo libre, es una telenovela colombiana basada en hechos históricos y producida por RCN Televisión, en donde se narra la vida política y amorosa de Policarpa Salavarrieta (“La Pola”), mujer que se convirtió en una de las figuras más relevantes en la historia de la independencia de Colombia por preferir la muerte en lugar de la sumisión. Pese a estar basada en la historia de unos personajes reales, La Pola no dejará de ser una obra de ficción; según su mismo director, lo que se pretende ” es imaginar cómo era la vida de personajes de los cuales conocemos mucho de su vida pública pero poco de su vida privada privada”.

Hacia 1810, de entre las miles voces que solicitan ibertad en Colombia, se oye fuerte el clamor de una joven y altiva mestiza de familia acomodada quien se rebela contra lo establecido, se levanta contra la injusticia, escupe a todo un Imperio, y lucha, además, por un amor prohibido. Es la voz e historia de Apolonia Salavarrieta, más conocida como “La Pola”. Ella es una “espía” que trabaja para las fuerzas patriotas en la guerra de la ndependencia contra España, y que de manera correspondida se enamora de Alejo Sabaraín, un educado joven español que, aunque comprometido desde niño con María Ignacia Valencia, una mujer de la aristocracia Payanesa, no se puede resistir a la impulsiva, valiente y apasionada Policarpa. aun así, Alejo no sabe si pueda sacrificarlo todo por defender su amor mecido entre dos bandos dada su descomunal lealtad hacia la corona y el Rey de España.

Ahora en dos mundos enfrentados por el odio, dos mujeres luchan por un amor y un amor pelea contra el mundo. La Pola tendrá que separar sus convicciones de sus sentimientos y enfrentar a un mperio, ya sea, como la peor de las traidoras, o como la mejor de las heroínas.

Personajes

Apolonia Salavarrieta ” La Pola”. La más grande heroína de la independencia de Colombia. De rasgos mestizos hermosa y sensual. No nació heroína, fueron las circunstancias las que la llevaron hasta donde legó. Valiente, impertinente, impulsiva, pero también es una mujer muy humana, llena de errores, de contradicciones; no se queda callada ante nada, es frentera a morir (una cualidad que a veces se le convierte en defecto). Está llena de pasión y de la misma manera vive la vida. Debe renunciar a ser mamá y a ser esposa para asumir su destino. Entiende perfectamente lo que significa “el valor de la libertad”. La diferencia entre la Pola y las demás mujeres es que a ellas les enseñaron que ser mujer es encontrar un marido, obedecerle formar un hogar, mientras esta joven sigue sus instintos, busca qué es lo que la hace vibrar en la vida. Muere tras ser fusilada entre la multitud de pueblo.

Alejo Sabarain.
Enamorado de la Pola. Justo, ético, educado, decente, caballeroso y de corazón noble. Tiene ese tipo de fisonomía de hombre al que las mujeres quisieran proteger. Alejo es instruido, ha leído y tiene herramientas para entender como es el mundo. Tiene muy arraigada la religión y la raza sabe que mezclarse con mestizas es pecado, es lícito y castigado por Dios. Pero, a pesar de estar comprometido con María Ignacia, La Pola lo enloquece; su piel, su boca, su olor lo vuelven irracional. Cuando está lejos de ella, Alejo puede recuperar el control sobre sí mismo y darse cuenta de sus supuestas equivocaciones. Junto a ella le resulta imposible. Su papá le ha pegado desde siempre porque odia su debilidad. Quisiera que él lo amara y lo apreciara como lo hace con su hermano Leandro, pero dado su carácter eso parece imposible. El, la pola y entre otros lucharon hasta el fin pero tras ser fusilada La Pola el mismo destino les espera a todos.

María Ignacia Valencia Prometida eterna de Alejo Sabaraín. Virgen delicada, femenina, enfermiza, dulcísima, infantil e nmadura. Es una niña rica hija de criollos que personifica a la mujer “blanca 100%” de la época, con toda su educación tradicional y religiosa, sus normas y restricciones. Sus papás se desviven por ella. Sueña con el matrimonio, hijos, ser una buena esposa y dedicarse a su familia. Cree como es normal en esta época, que es inferior al hombre por lo que es obediente y sumisa con ellos. Lo que María Ignacia es y representa, contrasta con la Pola Son polos opuestos. No es maquiavélica, pero su amor y el derecho que cree tener sobre Alejo la hace capaz de cualquier cosa.

Antonio Nariño.
El Precursor de la Independencia (el que marcó el camino). Elegido el colombiano de todos los tiempos Intelectual por gusto y militar por necesidad. Honesto, berraco, culto, apasionado, fuerte y muy nteligente. Es un personaje blanco, sin dobles ntenciones. Frentero y valiente hasta el límite de la ocura. Visionario, le cabe el mundo en la cabeza Curtido por los sufrimientos, entendiendo su tragedia podemos comprender las razones por las cuales valió la pena luchar a muerte contra la hegemonía española. Siempre fiel a sus principios y a sus amigos. No obstante, cuando se le calienta la cabeza, es capaz de cualquier cosa.

Crítica: “Besouro”

Besouro conta a história do maior capoeirista de todos os tempos, uma figura mítica dentro da historia brasileira, que defendeu os direitos dos negros após a abolição da escravidão e a liberdade religiosa e cultural. E apesar do preciosismo estético, o personagem merecia um roteiro mais bem elaborado e atores mais experientes, num filme que promete muito, mas fica no meio do caminho. Eu juro que pensei que podia ser algo bom. A cultura negra tem todos os elementos necessários pra criar um universo místico interessante, e somando os efeitos do “cara que fez O Tigre e o Dragão”, poderia ser no mínimo um filme de ação legal. Quem me dera. Devia ter desconfiado do fato desse longa ser o primeiro de um diretor de comerciais Tudo começa a dar errado logo no começo. O besouro digital da primeira cena fica bem inferior a qualidade dos efeitos do resto do filme, e com ele surgem cartelas intermináveis, redundantes e com uma narração cansativa do Milton Gonçalves(trabalho este que o ator já havia feito, e com muito mais habilidade e com melhores resultados no curta de animação Yansan, de Carlos Eduardo Nogueira) Com isso, já fica estabelecido o tom do filme, em que tudo vai ser mastigado ao máximo para o espectador.

O maior problema do filme reside na abordagem do personagem principal. O roteiro trata Besouro como uma pessoa vaidosa, irresponsável, e que após cometer um erro, que leva seu mestre a morte, se refugia na floresta para pensar enquanto seus amigos são castigados pelo branco opressor. Ele então parece fazer um pacto com os orixás, ganha superpoderes, fecha o corpo e começa a combater o mal. Ele não possui nenhuma virtude que o caracterize como merecedor do posto de herói além de ser um bom lutador. Até suas atitudes, de queimar o canavial e quebrar máquinas, parecem insensatas e mal planejadas. Enquanto Mestre Alípio, em menos de 5 minutos em cena, parecia articulador, e com ambição de unir os negros para conseguir seus direitos, Besouro parece acreditar que se isolar e tomar atitudes sem explicação vão libertar os ex-escravos da opressão. E Ailton Carvalho, ex-guia turístico e professor de capoeira não consegue conferir a complexidade necessária pra um personagem tão dúbio.

Como se não bastasse um protagonista mal de desenvolvido, ele ainda se envolve em um triângulo amoroso tão defeituoso quanto. Embora Jessica Barbosa seja facilmente a melhor atriz do elenco, é triste ver como sua personagem abandona seu namorado de infância para se envolver com Besouro. Ela mesmo pertencente a uma outra subtrama interessante e mal elaborada, do abuso sexual das ex-escravas, e acaba se perdendo em uma história de amor pouco interessante.

Decisão mais acertada seria focar no misticismo da história. É onde o roteiro flui melhor, as cenas de luta e vôo são melhor inseridas e o filme faz mais sentido. De resto, os personagens são facilmente manipulados pelo vilão Coronel Venâncio. É quase irritante a forma como ele convence a população negra de que está do seu lado, depois de tudo que eles passaram, e como arranca uma informação importante de Quero-quero, a terceira ponta frouxa do triângulo amoroso O filme tem seus pontos positivos. A música foge um pouco do lugar comum, e embora seja ma utilizada em alguns momentos, no geral ela é muito boa. A fotografia é bonita, as cenas de luta são bem elaboradas, e pra quem ignorar o roteiro, pode até se divertir. Não é a toa que o filme fez 500 mi espectadores nos cinemas, cifra alta pra um filme sem atores globais no elenco. Funciona melhor como filme de ação e misticismo, e deve agradar aos adeptos da capoeira, que já conhecem a história de Besouro e não precisam de um roteiro inteligente para lhes informar. Mas baseado no filme, Besouro foi apenas um irresponsável, que nem ganhando superpoderes conseguiu ser um herói eficiente.

Cine Queer: El Rey y el Bufón (The King and the Clown)

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Durante la dinastía Chosun, dos juglares, Jang-sang y Gong-gil y sus tres compañeros son arrestados y sentenciados a muerte por interpretar una sátira en la que ridiculizan al rey. Pero Jang-sang apuesta a que es capaz de hacer reir al rey y si lo consigue sus vidas serán perdonadas.

No sólo Jang-sang y Gong-gil consiguen hacer reír al rey Yeonsan, sino que éste queda tan satisfecho que los contrata para que le entretengan cada vez que le venga en gana. Pero lo que parece una gran oportunidad para esta pareja de juglares se convertirá en lo peor que les ha pasado nunca cuando sus representaciones pongan en descubierto las corrupciones de palacio y cuando el rey se obsesione con Gong-gil.

The King and the Clown es una película con una realización magnífica en todos los sentidos: la fotografía, la puesta en escena, las impresionantes coreografías, la música, el vestuario, todo, es maravilloso, con una recreación histórica fabulosa y en la que se nota que no han escatimado medios para que parezca realista, pese a que no tenga un super-presupuesto, sí que está todo super-mimado.

La película contiene todos los ingredientes que hacen grande a filmes históricos de este tipo, intrigas palaciegas, corrupción, asesinatos, locura, amores obsesivos, lujuria y mucha mucha tragedia. Son dos horas de duración que se pasan volando y que entran con una facilidad asombrosa, tanto que antes de darme cuenta ya estaba viendo el final.

La historia desde el principio ya se ve que va a ser triste, y más cuando entra en escena el rey Yeonsan, traumatizado desde el asesinato de su madre y que no está nada cuerdo, es fascinante ver su deterioro progresivo y su obsesión por Gong-gil, que es de donde viene gran parte de la polémica que rodeó a la cinta cuando se estrenó, porque el interés del rey por el bello Gong-gil va mucho más allá del platonismo, también es interés sexual.

La relación entre Jang-sang y Gong-gil sí que puede ser más discutible, muchos apuntan que el comportamiento que tiene Jang-sang durante toda la película es porque siente un amor más bien de hermano hacia Gong-gil y quiere protegerlo, yo sinceramente lo veo un comportamiento de amante celoso, y creo que la escena final en la cuerda es una declaración de amor en toda regla, pero está hecho todo con tanta sutileza que imagino que ya es la interpretación que cada uno tenga.

Por supuesto y cómo no destacar también las intrepetaciones porque pese a que la mayoría son nombres más bien desconocidos, todos están fantásticos. Woo-seong Kam (Jang Sang) da vida a un personaje carismático al que se le coge cariño enseguida, y más con todo lo que hace por proteger a su amado, Jun-gi Lee es el delicado Gong-gil, la verdad, nunca había visto a un chico con una belleza tan femenina (aunque la voz es de tío total) y nos ofrece una actuación muy delicada y sensible, y Jin-yeong Jeong está ENORME como el rey Yeonsan, si esta peli fuera occidental fácilmante podría haber estado nominado a un Oscar.

En definitiva una película hermosísima, excelentemente realizada, llena de sentimiento y que nos muestra una cara del amor entre hombres diferente y maravillosa.

Recomendadísima a cualquier amante del cine asiático

The Bubble

Eduardo Nabal Aragón (publicado originalmente en Isla Ternura.com)

Que el cine de Eytan Fox se caracteriza por su envolvente forma de ganarse al espectador a través del lirismo, la ternura y un amor desbordante hacia sus personajes se hace   de nuevo patente en su último trabajo “The Bubble” es su tercer largo y su apuesta más arriesgada hasta la fecha aunque mantiene una clara continuidad temática y estilística con sus dos anteriores filmes. Incluso, los personajes más negativos de sus películas (como el Joel-comandante de “ Yossi & Jagger”, los Yossi & Jagger agentes de la Mossad de “ Caminar sobre las aguas” o el agrio hermano mayor del protagonista árabe de Caminar sobre las aguas“The Bubble”) nos resultan increíblemente humanos y nos son mostrados en su cotidianidad por grotesca y destructiva que ésta pueda llegar a ser.

En “La Burbuja” Fox da un paso adelante y se implica de lleno en un tema que sólo aparecía de forma tangencial en sus dos anteriores filmes: el conflicto bélico y sociopolítico que sacude su país. La última película de Fox está destinada a incomodar a público israelí más conservador-criticando el racismo y la indiferencia de muchos de sus coetáneos-   y a no satisfacer del todo a los defensores más estrictos de la causa palestina. Aunque su fuerza dramática, su mezcla de comedia y drama su lirismo, humanidad, agilidad narrativa   y su reivindicación sociosexual pueden convertirla en un gran éxito para e público internacional

“The Bubble” se abre y se cierra con dos secuencias terribles: en   la primera mostrada con toda su crudeza,   una mujer árabe embarazada es retenida en un puesto de control con trágicas consecuencias; la última, un atentado suicida, está   dada con dolor pero también con un toque romántico y cargado de poesía

Noam ( Ohad Kholler),     es un joven soldado israelí que abandona el ejército y vuelve a su piso de Tel-Aviv donde vive en un mismo piso con Lulú y   Yelli, dos jóvenes llenos de vida   que al principio del filme tratan de mostrarse al margen del conflicto que sacude su país. A ese piso llega Ashraf, un joven árabe al quien   Noam había conocido en el momento de crispación con el que, en el tono documental de la cámara en mano de un periodista,   se abre el filme. Entre ellos se inicia una historia de amor imposible, con ecos evidentes de “Romeo y Julieta” de Shakespeare,  a la vez que   un cambio interior en todos los personajes principales secundarios que inician, como los protagonistas, una cruzada pacifista y de activismo callejero, truncada por un estallido que nos devuelve a la sangrienta realidad de las noticias

La historia de amor nos muestra cómo la homosexualidad es vivida de manera distinta en las dos culturas enfrentando el hedonista Tel-Aviv con sus bares de ambiente, sus tiendas de discos, sus restaurantes… con mundo empobrecido y amenazado   donde ha crecido el joven palestino. De la gran metrópoli israelí conoceremos el mundillo aparentemente despreocupado donde   el trío israelí parece desenvolverse con soltura, los bares gays, los lugares de trabajo y ocio, lugares   en los que   aparecen   personajes simpáticos o antipáticos, racistas o integradores.

Al   otro lado de la franja   se   desenvuelve el entorno familiar, patriarcal y asfixiante, que rechaza al joven árabe cuando este “sale del armario” y tratan de obligarle a contraer matrimonio. Las fronteras reales y simbólicas, la burbuja que significa aislamiento y una mezcla de temor y confort, el amor en árabe, las sexualidades interraciales   y la culpa en hebreo. Esta vez Fox pone toda la carne en el asador y va más lejos al retratar el racismo judío contra los árabes que ya aparecía en algunas secuencias clave de “Caminar sobre las aguas”, mostrando con dureza   las tropelías cometidas por la armada israelí sobre el lugar al tiempo que muestra los prejuicios del pueblo palestino hacia la homosexualidad.  

Pero, mientras en “Walk on Water” el final era   a la vez melancólico y optimista, en “The Bubble” el director y su marido y guionista Gal Uchovsky se embarcan en una tragedia pesimista y con mayúsculas    dada, sin embargo,   con la habitual delicadeza, aparente candidez y honda humanidad de todo su cine lo que hace que su relato cautive y emocione por igual. En “The Bubble” Fox hace pasar al otro lado de la barrera no sólo al joven árabe ilegal sino   también a algunos nombres claves de su cine como Ivri Lider, cantando a Gerswhing en un bar gay, o a Lior Azkenaz interpretando “Bent”, el clásico teatral de Martin Sherman,   una historia de amor y amistad entre un preso judío y uno gay (triangulo rosa) recluidos en la misma celda de un campo de concentración nazi que sirve de eco de a historia de amor imposible que cuenta el filme. La sombra del holocausto vuelve a aparecer en este filme aunque esta vez Fox se adentra en el holocausto del pueblo palestino a través de una historia que comienza siendo intimista y desenfadada y acaba adquiriendo resonancias de alegoría política que no por obvia y fatalista deja de estar llena de hermosura* * *

Cine Queer: Buñuel y la mesa del Rey Salomón

Carlos Saura es uno de los directores más importantes del cine europeo. Por eso, su participación en cualquier proyecto es por sí misma garantía de calidad. Y en ” Buñuel y la mesa del Rey Salomón”, aborda un tema que le es particularmente cercano: Luis Buñuel

La amistad que ambos directores se profesaron hace de Carlos Saura el nombre más indicado -por no decir el único- para dirigir la cinta. Saura fue el único director español con el que Buñuel quiso aparecer fotografiado en sus memorias, y fue también el único realizador a quien Buñuel encomendó la conclusión de sus rodajes en caso de que él no pudiera hacerlo. Pocos conocen la vida, la obra y la personalidad de Luis Buñuel como Carlos Saura, y por eso fue desde el primer momento el elegido para dirigir la cinta

La película no es una biografía convencional del genial Luis Buñuel. Dice Saura que “Nos gustaría que la aventura que vamos a contar tomara derroteros diferentes. Que fuera una especie de homenaje hecho por dos de sus amigos y admiradores. Que fuera, no sólo la descripción de algunos pormenores de su vida, sino una aventura llena de prodigios, ensoñaciones, misterios, espejos y cajas chinas”

La acción se desarrolla en Toledo, donde el productor de cine David Goldman encarga una película a Luis Buñuel. La propuesta incluye Toledo, y la mesa del rey Salomón, que puede estar en algún lugar de la ciudad. En su apartamento de la Torre de Madrid, Buñuel imagina una película sobre su juventud en Toledo. Viajando a través del tiempo, en el año 2000, y en compañía de sus amigos Dalí y Lorca, se embarca en la aventura de encontrar la mítica mesa. El guión está firmado por Carlos Saura y Agustín Sánchez Vidal. El reparto está formado por El Gran Wyoming (Buñuel Viejo), Pere Arquillé (Buñuel Joven), Ernesto Alterio(Salvador Dalí), Adrià Collado (Federico García Lorca). Para José Miguel Monzón, El Gran Wyoming, “Es una gran satisfacción interpretar a Luis Buñuel. Era un hombre de un extraordinario valor”.

Artículo del Club de Cultura.

Cine Queer: “Un amor por ocultar”

Título original: Un amour a taire Año: 2005

País: Francia

Director: Christian Faure

Corre el año 1942. Sara, Jean y Philippe son los protagonistas de esta historia que se desarrolla en París. Jean y Philippe son pareja y Sara entra en la vida de ellos, necesita su protección. Ella es judía y ellos, homosexuales. En este periodo de Ocupación, donde todas las leyes son abolidas, los tres viven con un mismo deseo imperioso sobrevivir, lo cual es difícil por su “diferencia”: Jean es acusado sin razón de ser el amante de un oficial de la Wehrmacht (fuerzas armadas alemanas) y deportado por los nazis.

El Holocausto Nazi también se ensañó con la población homosexual, a nadie le es ajeno el triángulo invertido color rosa con el que etiquetaban a los gays. Éstos eran trasladados a campos de trabajo donde se les intentaban “reeducar”, y a los que se negaban a ello se les trasladaban a campos de concentración en los que ensayaban “tratamientos” para convertirlos en personas”normales”, dignas de esa super raza que se pretendía depurar

La historia está bien ambientada en la época, el tratamiento que se le da es impecable, pues no intenta aprovechar la sensiblería, y tampoco se recrea en la violencia nazi, aunque haya escenas que son necesarias para trasladarnos la idea de lo que ocurrió. Es bueno que nos recuerden de vez en cuando que ser diferente ha costado muchos sufrimientos a generaciones anteriores, y esa es la herencia que hemos recibidos aquellos que tenemos la suerte de vivir en un mundo libre. Sé que aún queda mucho por hacer para conseguir la igualdad en la mente de la sociedad, y también sé que aún ocurren cosas como las relatadas en la película en algunos lugares de este planeta, en esta misma época. Nos gusta etiquetarlo todo pero esas etiquetas que usamos para categorizar el mundo han sido muy crueles hacia los objetos etiquetados: judío, homosexual, etc., llegará el día en que sólo haya una etiqueta: persona.

Una frase de la película del personaje gay dirigiéndose a su hermano al descubrir su homosexualidad: “¿Has escogido tú el azul de tus ojos?”

“La Puta del Diablo”: también en el Medioevo los caballeros las preferían brutas.

Por R.

Protagonista: Andrea Riseborough

Angélica, ha comenzado su historia  revelándose contra Dios, el motivo es que  su madre, católica fervorosa, en tiempos de retorno de dicha fe a la muy protestante Inglaterra,  le ha abandonado siendo una niñas para acudir al llamado divino internándose en un convento  Francés. Desde entonces la niña ve al diablo,  de la que no es ninguna “puta” como sugiere la película,  por cierto, es solo una mujer que ama, y se permite gemir, aunque su primer esposo y amigo de toda a vida se moleste por que le recuerda el sonido que emiten las meretrices con sus soldados Al principio de la guerra civil, Angelica y su marido están del lado del Rey Carlos I, sin embargo este manda a fusilar injustamente a su esposo, como escarmiento a quienes no resistían suficientemente el avance del ejército de Parlamento.

Eso le hará pasarse del otro bando, donde también existen fuertes luchas en particular entre los lamados niveladores  y los que aspiraban a una revolución menos radical. Pronto nacerá nuevamente el amor, ahora hacia un antiguo empleado de su marido, una especie de soldado de la fortuna llamado Edward  Sexby, interpretado de magnifica forma por el actor John Sims,  se basa en una personaje real, El coronel Edward Sexby o Saxby (1616 – 1658)  un soldado Inglés puritanos y Nivelador quien se ha pasado a la revolución y que tratará de impedir su enterramiento, participando en un complot contra Cronwell, el segundo es  interpretado con toda la fuerza que la figura requiere por el actor Dominic West.

Otro personaje que  se destaca en la obra, es un íder libertario John Lilburne, quien sufrirá tormento, por cantarles las cuarentas, primero a Rey, y luego a Cromwell, todo un símbolo de revolucionario honesto e incorruptible, que como suele suceder termina engullido por la misma revolución de la que formó parte.

Si estás interesado en conocer más sobre esta serie no dejes de leer este interesante reportaje COMPLETO

Los Pilares de La Tierra

Por: R.

Basada en la popular novela de Ken Follet, y con la producción de los hermanos Ridley y Tony Scott, Los pilares de la tierra es una “mega- y producción” protagonizada además por grandes nombres de la y nterpretación como Ian McShane (Deadwood, Sexy Beast), Donald Sutherland (Dirty Sexy Money) y Rufus Sewell (John Adams) que lideran un reparto estelar bajo la batuta del realizador Sergio Mimica-Gezzan(Héroes) Amor, traición, intriga, misterio, violencia, aventura… Estos son los ngredientes básicos de este relato épico que comienza con la muerte del heredero al trono de Inglaterra al hundirse el barco en el que viajaba. La lucha por la sucesión es inminente y alrededor y aprovechándose de ella, nobles y religiosos harán cualquier cosa que les beneficie. Sólo hay un único fin: el poder En este ambiente lleno de envidias, estrategias y falsas acusaciones, un hombre sueña con construir una catedral distinta, llena de luz y cargada de nuevos elementos. La finalización de esta catedral significaría un primer paso para la transición entre el mundo antiguo y el moderno, un nuevo camino hacia un futuro lleno de esperanza y, quizás, con menos violencia y más prosperidad del que se ha conocido hasta entonces.

Polémico Boves: “En tiempos de locos… el más loco manda”

Como cacería de brujas, será el estreno de la nueva cinta venezolana “Taita Boves”, film del director Luis Alberto Lamata, quien confesó en el estreno para la prensa de dicha película, que hasta el momento sólo será proyectada en cuatro salas, por lo tanto los fieles amantes del cine venezolano, tendrán que estar atentos de las salas en las cuales será expuesto el film y rogar conseguir entradas para poder verla.

En una controversial rueda de prensa, el director de la cinta, junto al elenco que la conforman, repudiaron el bloqueo que se le ha presentado a la película al no brindarle más espacios para el disfrute de todos los venezolanos, así como lo tienen las otras películas también de nuestro país, que han tenido un notable éxito en la cartelera nacional.

Si bien es cierto, por fin los cinéfilos tienen la opción de escoger entre varios films made in Venezuela, para sorpresa de todos, las tres cintas que se encuentran en la actual cartelera han tenido una amplia aceptación, logrando que en diversas oportunidades, las entradas estén agotadas, por lo tanto “Taita Boves” quiere formar parte de este movimiento cinematográfico que se está viviendo actualmente.

UNA PELÍCULA CON VIOLENCIA NETAMENTE HISTÓRICA

“Taita Boves”, es una historia netamente de venganza que se desarrolla en un ámbito histórico completamente enfocado a la violencia, a la guerra, a un enfrentamiento que dejó innumerables cantidad de fallecidos, es por ello que si esta película no mostrara todos estos sucesos, simplemente no tendría razón de ser.

Desde un principio la cinta se muestra muy cruda, es allí cuando el espectador sabe que lo que viene no será nada sencillo. Con tomas cerradas por fin se puede disfrutar de una película con escenas reales en combates por la lucha de un fin.

En cuanto a los comentarios del director Luis Alberto Lamata, referente a arriesgarse en colocar lo más parecido a la realidad toda esta sed de venganza de su personaje principal, expuso lo siguiente: “A mí no me gusta la violencia de los videojuegos, ni la hollywoodense, yo al principio sí me hice muchas preguntas para saber si colocaba o no la escena del embarazo, al principio de la película , lo dudé pero decidí que mi personaje principal tenía que nacer de esa manera”, agregó además: “Traté de evitar la violencia gráfica, pero en realidad es parte de lo que vivimos hoy en día, debemos entender que nuestra violencia tiene una raíz histórica”

LA PELÍCULA
Este filme está basado en una de las obras emblemáticas de nuestra literatura contemporánea: “BOVES, EL UROGALLO” de Francisco Herrera Luque. Queremos retratar a la Venezuela de 1800 a partir de la figura de José Tomás Boves: la Venezuela de las primeras repúblicas y de las luchas independentistas. Boves se hace dueño de Venezuela a la cabeza de una revancha de los desposeídos, de los esclavos, de los pobres de una tierra rica. Liderizó un ejercito de negros, indios y pardos bajo las banderas de Fernando VII, rey de España. Su paso es crónica de la venganza que incendió el país. El taita Boves es un personaje desmesurado, de los que truecan la realidad en mito y entran en la historia con sangre para navegar sobre ella, dejando una estela a la vez trágica y conmovedora. La vida y muerte de Boves, junto a la de los personajes que lo acompañan en toda su carga de locura, amor y violencia, tiene algo que contarnos en un siglo XXI que amanece con la intransigencia criminal recorriendo el mundo.

LA CRÍTICA

La actuación del actor Juvel Vielma, quien interpreta a José Tomás Boves, es ciertamente destacada. Si buscamos un punto de comparación para explicar la excelente actuación de Juvel, podríamos buscar es ese momento en el que Heath Leadger no sabía si podía superar al Joker de Jack Nicholson; tal cual sucede con Juvel, así como lo expresó su director: “Gustavo Rodríguez plasmó un Boves imposible de borrar y dudé en revivirlo” si algo destaca en “Taita Boves” es la pasión del personaje de Juvel, es esas cintas que no imaginamos actuada por otra persona.

En cuanto al final, que no revelaremos, podemos añadir un comentario muy acertado de Lamata: “En Hollywood dicen que los finales felices, son taquilleros, sé que mi película tiene un final amargo, crudo; pero yo no quería terminar con un falso final feliz, ésta es una película que merece encontrar su público, así que su final amargo no creo que le afecte”. De momento el estreno de la cinta se espera que sea mañana viernes, sin embargo con los inconvenientes entre las salas que han venido sufriendo, su propio director desconoce que pueda celebrar su entrada al cine esta semana.

(Entorno Inteligente.com)